Mes: abril 2014

La historia de una canción: Daniel (Elton John, 1973)

Daniel, una de las canciones más conocidas de Elton John, forma parte del disco Don’t shoot me, I’m only the piano player de 1973. Fue compuesta al alimón por él y por Bernie Taupin, su letrista habitual, autor de la mayoría de grandes éxitos del británico desde que comenzó a colaborar con él a comienzos de la década de los setenta.

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Fue precisamente Taupin quien reconoció hace años que la letra de esta canción era posiblemente una de las peor interpretadas de toda la discografía de Elton John. Y no se refería a la manera de cantarla, sino a que con el paso de las décadas la gente había comprendido la letra a su manera.

La versión oficial de los músicos relata la historia de un veterano de la Guerra de Vietnam que regresa de la contienda, y cuyo único deseo es olvidarse de aquella etapa atroz, dejar de un lado honores y homenajes, y recuperar una existencia tranquila. A partir de ahí, la gente ha llegado a elucubrar con varias posibilidades. Desde que Elton John estuviera cantándole a un amante llamado Daniel que había conocido en España -nuestro país es mencionado circunstancialmente en la canción-, hasta que el tal Daniel fuera un colega (también español) que le ayudó a librarse de su dependencia del alcohol. Para engordar la ya ingente lista de deducciones, no hay más que hacer una pequeña búsqueda en internet. La imaginación desbordante de la gente hizo el resto.

Sea como fuere, lo cierto es que Elton John fue un declarado opositor a la Guerra de Vietnam, lo que sustenta la tesis oficial, defendida por los compositores, y por otra parte, sería complicado que estuviera dedicándole la canción a un antiguo amante, si la letra no fue compuesta por él mismo sino por su fiel colaborador.

Anécdotas aparte, no hay que perder de vista la repercusión de esta canción, similar en éxito a las que progresivamente ha ido lanzando Elton John en sus décadas de historia musical.  Alcanzó los primeros puestos en Estados Unidos, Canadá y Reino Unido,  y el mismo año de su lanzamiento sus compositores recibieron el galardón Ivor Novello a la mejor letra y música, que concede desde 1955 la Academia Británica de Compositores y Cantautores.

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La historia de una canción: Theme from a Summer Place (Percy Faith, 1960)

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Esta noche toca banda sonora. Una de las clásicas. La que corresponde a la película de 1959 “A Summer Place”, que en España se conoció como “En una isla tranquila al sol”. La interpretación de Percy Faith, un aclamado arreglista y director de orquesta canadiense, es posiblemente la más conocida de cuantas se hicieron tras el estreno de la película, dirigida por Delmer Daves, según la novela del mismo nombre. La dirección musical de aquella película corrió a cargo de Max Steiner (responsable también de memorables bandas sonoras, como la de King Kong, Casablanca o Lo que el viento se llevó entre otras muchas). El melodrama fue protagonizado por Richard Egan, Troy Donahue, Dorothy McGuire y Sandra Dee, recibió críticas irregulares, y con el paso de los años fue y sigue siendo mucho más recordada por la canción que por su relativo éxito. Tanto es así, que su nombre original “Molly and Johnny theme”, devino en el que conocemos ahora, literalmente traducido como “La canción de Un Lugar de Verano”.

La versión de Percy Faith arrasó en las listas. En el Billboard Hot 100 del año de su estreno, permaneció hasta nueve semanas en lo más alto, más meritorio si cabe al tratarse de una canción orquestal e instrumental. En Reino Unido llegó al segundo lugar y en Italia al número uno con un título ligeramente modificado: “Scandalo al sole”.

Además de las numerosas versiones que a lo largo de los años se han grabado, el propio Faith registró hasta tres distintas con su propia orquesta. La última de ellas en 1976, año de su fallecimiento.

La historia de una canción: Baker Street (Gerry Rafferty, 1978)

Baker Street estaba incluida en el disco titulado City to city de 1978. Permaneció seis semanas en el segundo lugar de la prestigiosa lista Billboard y vendió más de cuatro millones de copias. Sin duda, fue la obra magna de Gerry Rafferty, un escocés que se dio a conocer junto a Joe Egan -otro habitual de nuestro programa- en el grupo Stealers Wheel, formado por ambos en 1972. La de esta noche es, junto a “Stuck in the middle with you”, de su etapa junto a Egan, su canción más conocida. Tiene dos versiones, una de ellas más larga (la original) de seis minutos de duración, y el single lanzado en Estados Unidos, más acelerado y de menor duración, ajustado a la radio comercial.

Se trata de una canción totalmente inconfundible, desde el momento en que se escucha el saxofón interpretado por el también escocés Raphael Ravenscroft, saxofonista de músicos de primera línea como Pink Floyd, Marvin Gaye, Chris Rea o America y creador de la primera polémica relacionada con esta canción. Según las malas lenguas, la canción inicialmente compuesta por Rafferty no pasaba de una simple composición, una de tantas, a la que Ravenscroft dio el toque maestro con su interpretación. Gerry Rafferty nunca aceptó tal versión, arguyendo que el riff de saxo era suyo. Según parece, su remuneración por tan mítica interpretación fue un cheque de 27 libras, que incluso le costó cobrar.

Y en cuanto al argumento, sin dejarlo totalmente claro, subyace cierta autobiografía en una letra que habla de volver a empezar, de retomar el buen camino. Los de Rafferty son versos que le sirven para expiar fantasmas de la infancia (fue hijo de un alcohólico violento) y de su etapa profesional inmediatamente anterior, en la que, por problemas judiciales tras la separación de Stealers Wheel, no había publicado ningún trabajo nuevo durante tres años.

Un dato que contrasta con la cantidad de dinero generada en royalties por esta canción es absolutamente monumental. Según informó The Telegraph, rondaba los 80.000 euros por año a fecha del fallecimiento de Rafferty, producido en 2011 cuando contaba 63 años de edad.

Por cierto, el personaje de Sherlock Holmes residía, según las novelas de Sir Arthur Conan Doyle, en Baker Street.

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La historia de una canción: Midnight Cowboy (John Barry, 1969)

La historia de una canción de esta noche es en realidad la historia de toda una banda sonora y de su creador principal. Bajo la batuta y el hilo conductor de John Barry, uno de los mejores compositores de la historia de la música contemporánea, la película Cowboy de Medianoche adquirió el envoltorio sonoro perfecto para convertirse en el clásico que es en la actualidad. Su banda sonora, de gran calidad, es por sí misma uno de los elementos narrativos de la propia película. Dos canciones sobresalen especialmente. La primera, “Everybody’s talking” de Nilsson. Y la segunda, Midnight Cowboy, que es la que nos ocupa.

Su inconfundible sonido de armónica le dio el tono lánguido, melancólico y hasta un tanto sórdido de la propia película, única galardonada en los Oscar aún siendo en 1969 calificada X por los desnudos que contenía. Un tema lleno de fuerza emocional, cuyo título original es “Midnight Cowboy Theme”, o “Tema de Cowboy de medianoche” y que apenas dura 2 minutos y 48 segundos.

cowboyEsta es, probablemente, una de las mejores composiciones del británico, nacido en York en 1933. John Barry fue responsable también de la música de decenas de bandas sonoras para cine, muchas de ellas premiadas (Memorias de África, Una proposición indecente, Bailando con Lobos, o el sonido inconfundible de la práctica totalidad de películas de James Bond) y también para televisión (Los Persuasores, entre otras).

Su seña de identidad también está perfectamente definida en esta canción: un uso muy personal e intensivo de la sección de cuerdas y vientos, y la introducción, novedosa para la época, de los sintetizadores en la orquestación para cine. Precursor de las grandes bandas sonoras de los años 90, falleció hace ahora tres años.

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La historia de una canción: Love is blue (Paul Mauriat, 1968)

Paul Mauriat pertenecía al selecto club de directores de orquesta especializados en arreglar canciones populares, y convertirlas en auténticos clásicos, como es el caso de L’Amour est bleu, con la que una jovencísima Vicky Leandros -simplemente conocida como “Vicky”- participó en la undécima edición de Eurovisión. Concretamente la celebrada en Luxemburgo en 1967. Vicky Leandros triunfó especialmente con esta canción en Canadá y Japón, y es una de las poquísimas participantes cuyo tema se recuerda como estandarte del Festival sin ser ganador, como en el caso de Eres Tú de Mocedades. De hecho, en la gala del 50º aniversario de Eurovisión, tanto L’Amour est bleu como Eres Tú, tuvieron mención especial y justa representación.

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Love is blue tuvo tres versiones en castellano. Una de Karina, otra de Raphael y una tercera de Lea Zafrani bajo el título de “Mi amor es azul”. Pero sin duda, la versión que con diferencia obtuvo más importancia a lo largo de los años fue la versión que escuchamos esta noche, la producida por Paul Mauriat. Aunque, si es por versiones, la anécdota la trae el idioma chino mandarín. Love is Blue cuenta con tres versiones en esa lengua.

Mauriat, que nos dejó en 2006, fue el responsable de reinterpretar la canción del compositor, también francés, André Popp. Llegó al número 1 de las listas al año siguiente de su estreno en Eurovisión, y permaneció en Estados Unidos cinco semanas entre febrero y marzo de 1968 en lo más alto de la lista. Por otra parte, durante 25 años, Love is Blue de Paul Mauriat fue la canción con mayor permanencia en la lista Billboard. Formó parte del disco Le Grand Orchestre de Paul Mauriat – Volumen 5, y en la cara B llevaba “Alone in the World”

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La historia de una canción: La vida sigue igual (Julio Iglesias, 1968)

La vida sigue igual es una canción de premio. Una canción de certamen musical de los de toda la vida. Un clásico de la música española del siglo XX. Pero, sobre todo, es una canción repleta de obviedades en las que nunca solemos reparar, y que son, en definitiva, las que hacen la vida.

Fue compuesta por Julio Iglesias durante la ya conocida convalecencia que pasó tras sufrir un accidente que lo apartaría para siempre de su incipiente carrera deportiva en el Real Madrid en 1962. Pocos años después, una vez finalizado este trance, y después de una temporada en Londres, y de finalizar su recuperación tocando la guitarra e ideando letras para canciones, presenta en una discográfica una breve maqueta casera, con la idea de que otro intérprete pudiera cantarla. En la discográfica optan por grabarla con la propia voz de Julio, quien además se presenta con ella al Festival Internacional de la Canción de Benidorm. Es julio de 1968.

julio-iglesias-la-vida-sigue-igualEse mismo mes se alzó con el primer premio del Festival de Benidorm, que lo impulsó a firmar su primer contrato discográfico. A partir de ese momento comenzaron a sucederse los números uno, y se produjo el despegue del que es probablemente el intérprete más internacional e importante de nuestro país. No tardando llegarían las giras dentro y fuera de España, las grabaciones en Londres, la participación en otros tantos festivales de renombre, y el cine.

La vida sigue igual es también el título de una película estrenada en el año 1969, dirigida por Eugenio Martín y cuyo responsable de la música fue el gran Waldo de los Ríos. En realidad, se trata de lo que actualmente conocemos como “biopic”, es decir, un guión que prácticamente glosa y reproduce la vida del propio Julio desde su etapa en el Real Madrid hasta que triunfa en el mundo de la música. Todo ello, acompañado por intérpretes como Florinda Chico, Andrés Pajares o Micky, de Los Tonys, cuyas apariciones, observadas desde la óptica del paso de los años, no dejan de resultar un poco “kitsch” ante la evidencia de la glamourosa vida que ha terminado llevando este prolífico cantante.

 

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La historia de una canción: Oh yeah – On the radio (Roxy Music, 1980)

Esta canción es una de esas pocas que se suelen utilizar en la radio para ilustrar la propia radio. Le sucede como a On the radio de Donna Summer, a Radio Gaga de Queen, a Video killed the radio star de The Buggles, o a la que nosotros mismos utilizamos hace un par de meses con motivo del Día mundial de la radio, Universal Radio de Nina Hagen, que puedes revisitar aquí. Y no es que Oh yeah (On the radio) trate específicamente sobre este medio de comunicación, más bien lo menciona como excusa para narrar una situación. Pero es sin duda una de nuestras canciones de cabecera en el programa y hemos indagado acerca de su historia.

bryan ferryOh yeah fue escrita por el vocalista y líder de Roxy Music, Bryan Ferry, en 1980, quien declaró hace tiempo en una entrevista sus intenciones cuando la compuso. Quería transmitir una imagen bucólica y sencilla de la juventud americana de los sesenta, esa que se dirigía al autocine en pareja mientras escuchaba la radio en el coche. Se trata de una canción cuya letra no tiene grandes pretensiones, relata cómo el intérprete echa de menos a la chica con quien compartía ese entretenimiento tan típicamente americano, y lo hace con una canción perteneciente a la última etapa del grupo.

Para 1980, Roxy Music habían abandonado ya ese punto “gamberro” y experimental de las canciones de sus orígenes, como “Virginia Plain”, influencia clara del que después sería una ilustre figura de la música inglesa: Brian Eno. Erigido en líder Bryan Ferry, la banda adoptó un tono más comercial, más cercano a las corrientes que definirían los años 80; un punto de transición a la New Wave aunque impregnado de un tono elegante y dandy que fue su seña de identidad final y que ya no abandonaría hasta la disolución del grupo.

Un buen ejemplo es la canción que nos ocupa, que pertenece al álbum Flesh and Blood, donde también aparecía la conocida The same old scene. Cuando se publicó en formato single, fue cara A, apareciendo en la cara B South Downs.

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar (Capital Radio) al filo de las 23:00 CET