La historia de una canción: Tell Laura I love her (Ray Peterson, 1960)

La canción de esta noche no es sino una excusa para rendir un pequeño homenaje a la radio, a través de una película española. En este primer programa de la nueva temporada de Déjate Inspirar, recordamos la canción Tell Laura I love her, una de las principales en la banda sonora de la película de José Luis Garci “Solos en la madrugada”.

El tejano Ray Peterson, que grabó su primer disco en Los Ángeles en 1958, logró colocar en los primeros puestos de las listas esta canción en colaboración con el productor Phil Spector dos años más tarde. Había fundado su propio sello discográfico y elevó una canción tan descarnada y trágica como esta a un más que honroso puesto. El planteamiento, bien simple. Un jovencito enamorado participa en una carrera de coches para conseguir dinero con el que comprar un anillo de pedida para la tal Laura. Muere aparatosamente en plena competición y lo último que acierta a decir es “Di a Laura que la quiero, que mi amor por ella no morirá”.

Del otro lado, “Solos en la Madrugada” (1977) ahonda en la historia de un locutor de radio, interpretado por José Sacristán, que presenta un exitoso programa nocturno titulado precisamente así. Separado de su ex mujer, Elena (Fiorella Faltoyano), inicia una relación con una chica mucho más joven que él que aparece un día en la emisora (Emma Cohen) y que le sirve en bandeja el choque generacional.

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A Garci, que como al ajo se le ama o se le aborrece, siempre le ha obsesionado la idea de la nostalgia por el tiempo perdido con la que carga su generación, la de aquellos que crecieron en los años de la dictadura. Y en esta película hace un homenaje a tres bandas. Una, a la radio. Otra, a la Transición. Y otra, como dice su protagonista frente al micrófono, a “aquella juventud de los cincuenta, obsesionados con el estudias o trabajas. A los miles y miles de amas de casa y empleados de banca, seguros y reaseguros, que no llegásteis a ser ingenieros como quería mamá”. ¿Trasnochado? Probablemente. Pero también reivindicativo y batallador.

El reparto, escueto y selecto. José Sacristán, Fiorella Faltoyano, Emma Cohen, María Casanova, y en el papel de técnico de la emisora, el también locutor Claudio Rodríguez.

El monólogo final de la película utiliza la canción que glosamos hoy como arma arrojadiza: “Yo os prometo que Ray Peterson, Raimundo Pérez si hubiese nacido en el Imperio, no volverá a decirle a Laura que la quiere. Porque es que Laura tiene ya 35 castañas, cinco hijos y está casada con un veterinario de Arkansas. Y esto hay que afrontarlo”, y que puedes ver a continuación en este vídeo:

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La historia de una canción: More than this (Roxy Music, 1982)

El 22 de marzo de 1982, Roxy Music, la banda de Bryan Ferry, lanzó el single titulado More Than This (Más que eso), adelanto de su disco Avalon. Avalon fue el último disco de la formación, que se disolvería un año más tarde dando inicio a la carrera en solitario de su vocalista. Se trata de un álbum de letras maduras , melancólicas, lleno de simbolismo.

La canción dio la vuelta a Europa, alcanzó buenas posiciones en las listas, y cruzó el charco. En Estados Unidos no consiguió ningún puesto meritorio en las listas de ventas durante su lanzamiento, aunque paradójicamente es una de las canciones más populares y recordadas de Roxy Music en el panorama americano.

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“More Than This” y “Avalon” fueron los sencillos más conocidos de ese disco, Avalon, elegante y ochentero, aunque en la misma línea de sintetizadores que ya introdujo Brian Eno (que había abandonado la banda diez años antes en pos de una sólida y larga etapa como productor). De hecho, casi la mitad de la canción que recordamos esta noche prescinde de la letra y finaliza con casi dos minutos de melodía. Una base musical, por cierto, utilizada en bastantes ocasiones en publicidad en España, y suponemos que también fuera de nuestras fronteras.

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar.

La historia de una canción: If you leave me now (Chicago, 1976)

Peter Cetera, vocalista, bajista y productor, compuso en 1976 una de las canciones que recordamos esta noche: If you leave me now. Se trata de la canción más conocida de la banda Chicago (ciudad por cierto de la que es oriundo Cetera) junto a Hard to say I’m sorry y también una de las más premiadas de su repertorio.

Consiguió dos premios Grammy, uno al mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal, y otro, a la mejor interpretación pop. Actualmente, existen más de cien covers o versiones de una canción cuya letra es una súplica del cantante para que su pareja no termine con la relación.

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Chicago, que en sus primeros momentos se llamó Chicago Transit Authority es uno de los estandartes de las llamadas Big Bands de rock que aún sigue en activo, y cuentan con una extensa discografía de títulos fáciles de recordar. Todos sus discos se titulan de igual forma, “Chicago”, con el añadido de su ordinal correspondiente. If you leave me now fue incluida en su décimo álbum: “Chicago X”.

If you leave me now ha aparecido en numerosas películas, series, e incluso en un videojuego, y fue la primera canción de este grupo en conseguir un número 1 en las listas.

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar (Capital Radio)

 

 

La historia de una canción: For what it’s worth – Buffalo Springfield (1967)

Buffalo Springfield hacían country y folk. Pero también rock. Y son recordados fundamentalmente por esta canción, “For what it’s worth”, y por haber sido la formación en la que calentaron motores auténticos totems de la música posterior como Neil Young.

Comenzaron en la primavera de 1966 y apenas permanecieron juntos, entre no pocas polémicas por el liderazgo y la lucha de egos, hasta un par de años más tarde. Fue tiempo suficiente para pasar a la historia de la música contemporánea. Se llamaron así sin sesudas reflexiones, tomando el nombre de una apisonadora rotulada con la expresión “Buffalo Springfield”. Mientras definían la que sería su formación final, tocaban en una sala de Los Ángeles, donde fueron descubiertos por los productores de Sonny y Cher. Después llegaría su primer contrato serio con una discográfica y, en total, tres discos. A saber: “Buffalo Springfield” de 1966, “Buffalo Springfield Again” de 1967, y “Last time around”, que sería su último disco, de 1968. Después llegarían, paulatinamente, formaciones de mayor calado como Crosby, Stills, Nash and Young (formado por componentes de bandas como The Hollies o The Byrds).

El éxito de la canción que oimos esta noche en Déjate Inspirar no tarda en llegar. Sucede en octubre de 1966 y pronto se alza en canción protesta. Su cadencia es templada pero su temática , aunque simple, es grave: la letra está inspirada en los acontecimientos violentos ocurridos tras una manifestación en Los Ángeles, disuelta por la policía. El ambiente pacifista de la época y el rechazo a la Guerra de Vietnam hicieron el resto.

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar (Capital Radio)

La historia de una canción: Amore grande, amore libero (Il guardiano del faro, 1975)

Il guardiano del faro es el seudónimo de Federico Monti Arduini, conocido también como Arfemo (acróstico formado por su nombre y apellidos que emplea en su faceta de compositor para otros intérpretes) Nacido en Milán en 1940, dedica su vida a la producción musical y a su labor como intérprete.

Monti compuso y grabó la canción instrumental que presentamos esta noche, y que fue la que más repercusión tuvo en España de todo su repertorio: “Amore grande, amore libero”, que es también la banda sonora de la película del mismo nombre dirigida en 1975 por Luigi Perelli y estrenada en abril del año siguiente.

Aunque debutó a comienzos de los años 60, fueron los 70 y 80 sus décadas álgidas. Bajo el seudónimo de Il guardiano del faro, inauguró una etapa protagonizada por la utilización del sintetizador Moog, un artilugio electrónico muy en boga aquellos años, del que ya hemos hablado anteriormente en Déjate Inspirar.

Hay un buen puñado de versiones de esta balada melódica e instrumental, y las hay para todos los gustos. Desde la orquestal y elegante (aunque menos onírica que la original) de Paul Mauriat, pasando por la de Johnny Sax, la del desaparecido cantante español Jacobo, o la de Alex Silvanni:

Mención aparte merece la versión de Gigi D’Agostino, pasada por un tamiz techno facilón que la desprovee de su encanto y la convierte en un simple “temazo”

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar (Capital Radio)

 

 

La historia de una canción: Oh Lord, why Lord (Pop Tops, 1968)

Esta noche escuchamos en la Historia de una canción el primer éxito internacional que tuvieron los Pop Tops en su carrera. El grupo, formado en Madrid en 1967 con Phil Trim a la cabeza, utilizó la base del famoso Canon de Johann Pachelbel para componer una de sus canciones más recordadas. Un tema que alcanzó la parte alta de la lista de ventas en España y que se vendió con similar éxito en veinte países más.

“Oh Lord, why Lord” es la mezcla perfecta entre el gospel y el pop barroco, ese que tanto nos gusta escuchar en Déjate Inspirar. Una de sus primeras incursiones en este sonido fue la versión en castellano que interpretaron en 1967 de “A whiter shade of pale” (Con su blanca palidez) El argumento de esta canción critica el racismo y hace un alegato constructivo a favor de la igualdad independientemente del color de la piel.

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La cara B de este single fue una versión de Beyond the sea (el clásico que popularizó Charles Trénet bajo el título La Mer, que también puedes oir en nuestro programa) aunque Oh Lord, why Lord volvió a ser grabada en 1971, como acompañamiento de “Mamy Blue“, otra de sus canciones de cabecera. En su formación inicial participaron el propio Phil Trim, nacido en Trinidad y Tobago, junto a José Lipiani, Alberto Vega, Ignacio Pérez, Julián Luis Angulo, Enrique Gómez y Ray Gómez. Alfonso Arteseros, conocido actualmente por su labor como documentalista, también formó parte de Pop Tops en una de las etapas del grupo.

La canción forma parte de alguna que otra banda sonora, utilizada como referente de nostalgia y tiempo pasado. La película de José Luis Garci “Volver a empezar” (1981) incluye una versión prácticamente completa de la canción en una de las secuencias finales del regreso del protagonista a California, y la serie “Cuéntame Cómo Pasó” la utiliza en la conclusión de su segundo episodio (2001), el que se recuerda la primera comunión de Carlos Alcántara.

Interesante artículo, por cierto, el que publicó en El País Diego Manrique hace ahora un par de años sobre la última ocupación de un mito de la música de este país, Phil Trim, que en aquél momento trabajaba como conserje en un centro comercial de La Moraleja, en Madrid.

Escucha “Oh Lord, why Lord” esta noche en Déjate Inspirar (Capital Radio)

 

La historia de una canción: “Aquella canción de Roxy” (La Mode, 1982)

Esta noche en Déjate Inspirar recordamos la historia del grupo La Mode a través de una de las canciones que más suenan en nuestro programa: “Aquella canción de Roxy”.

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La Mode agrupó a Mario Gil, Antonio Zancajo y Fernando Márquez. Éste último, “El Zurdo”, ya tenía en ese momento historial suficiente como para llenar media enciclopedia de la Movida. Antes de ser vocalista del grupo, pasó por Paraíso (creadores de “Para tí”) y por Kaka de Luxe. Era la época del Rock-Ola, un auténtico mito entre las salas de Madrid, templo de la Movida Madrileña situado en el número 5 de la calle Padre Xifré, donde actuaron ocasionalmente hasta su debut. La Mode se presentó oficialmente en sociedad a finales de 1981 en la Escuela de Caminos de Madrid.

Tras la publicación de su primer EP, lanzan “El Eterno Femenino” en 1982, uno de los mejores discos de la época, donde ya estaban incluidas la canción que recordamos hoy, junto a “Enfermera de noche” y otro de sus estandartes: “Las chicas de la Inter”, que homenajeaba a las locutoras de Radio Intercontinental (una de cuyas integrantes -lo que es la vida- era la mediática Ana Rosa Quintana). Antes de su disolución en 1986, publicaron su último disco, “La Evolución de las costumbres”, y entre otras hazañas, compusieron la sintonía del espacio de Televisión Española “Caja de Ritmos”, presentado por Carlos Tena, y en el que Las Vulpess soliviantaron al país entero con su “Me gusta ser una zorra” en abril del 83.

“Aquella canción de Roxy”, además de su literal alusión al grupo de Bryan Ferry, bebe de la inspiración de unos tempranos Roxy Music. Su sonido es 100% electropop, puros años ochenta condensados en casi seis minutos de canción y hoy, aunque no ha envejecido demasiado bien, sigue siendo un placer escuchar la historia de aquél  amor fugaz que según la letra “fue lo que fue”. Tan fugaz como una madrugada de amor intenso en un coche.

Antonio Zancajo tiene una canal en Youtube donde ha publicado entre otras delicias de La Mode, este vídeo que muestra la última vez que la formación original interpretó en directo “Aquella canción de Roxy”:

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar.

 

 

La historia de una canción: I got you babe (Sonny y Cher, 1965)

“Dicen que somos jóvenes, y no sabemos / y no tendremos ni idea hasta que crezcamos / bueno, no sé por qué eso es así / porque me tienes y te tengo”

Así comienza I got you babe, la famosa canción de Cher y Sonny Bono, cuyo título en castellano es literalmente “Te tengo”. Al escucharla, mucha gente se acuerda de las flores en el pelo, el “haz el amor y no la guerra”, el ambiente hippy y las largas melenas. Es más, en la propia canción se hace una mención al cabello largo tan de moda en 1965, año de publicación de esta canción. Sin embargo, no había en su mensaje ninguna alusión clara al antibelicismo. Simplemente pertenece al imaginario colectivo de la época, que destilaba contracultura y pacifismo por los cuatro costados.

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La letra de esta canción fue escrita por Sonny Bono, fallecido en 1998, diputado republicano en el Congreso de los Estados Unidos en la última etapa de su vida e icono (aunque a él mismo le pesara) del hippismo sesentero al otro lado del charco. Salvatore Bono, que así se llamaba, era compañero de batalla del controvertido Phil Spector, quien, independientemente de su historial (hoy día cumple condena por homicidio), fue un maestro de la producción musical. Bono comenzó a ser conocido tras el lanzamiento de Needles and pins, escrita por él e interpretada por The Searchers. Un año antes de la aparición de I got you babe, se casó con Cher, que por entonces trabajaba como corista para Spector. Formaron el dúo “Sonny y Cher”. El resto ya es historia. Cher emprendió una exitosa carrera como cantante y actriz y Bono continuó en la música, hizo sus pinitos en la televisión y finalmente como decimos, se dedicó a la política.

I got you babe supuso el debut del dúo. Una canción a la que es fácil colocar la etiqueta de “pop barroco” o folk. Actualmente ocupa el número 444 en la lista de las 500 mejores canciones de la historia según la revista Rolling Stone.

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar (Capital Radio)

 

 

La historia de una canción: 98.6 (Keith, 1966)

98.6 son los grados Fahrenheit aproximados de un cuerpo humano sano. 98.6 es también el título de una novela. 98.6 puede ser por supuesto una frecuencia de radio. Y esta noche en Déjate Inspirar, 98.6 es el título de la canción cuya historia te contamos ahora.

Anthony Powers escribió la letra y George Fischoff compuso la música de una canción que popularizó Keith, el cantante estadounidense, a quien escuchamos esta noche. Keith debutó precisamente con esta canción en Mercury Records, contando una historia sencilla y alegre, rayana en lo fisiológico, la de una persona que siente cómo todos a su alrededor sonríen y cómo el sol calienta (y en cierto modo le hace recuperar su “temperatura”) cuando ella aparece en su vida. Los coros fueron interpretados por el grupo vocal The Tokens.

98.6 vendió un millón de copias en todo el mundo, y supuso un éxito no del todo inesperado para Barry James Keefer (nombre completo de Keith). El cantante contaba en una entrevista hace no muchos años que sí esperaba triunfar con esta canción, a pesar de lo estrambótico que le resultó haber grabado una canción relativa a la temperatura del cuerpo. Dicen las buenas (o fantasiosas) lenguas que John Lennon estaba encantado con esta canción, y así se lo hizo saber a Keith.

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La canción tuvo varias versiones, entre ellas la de The Bystanders, editada prácticamente a la vez, y que rivalizaba con la original en las listas y la versión de Lesley Gore, respectivamente. En castellano, el mexicano Enrique Guzmán interpretó una versión posterior a la de Los Ángeles, con traducción diferente a la de los granadinos. El grupo de Poncho González, Los Ángeles, interpretó la canción con su inigualable capacidad para las armonías vocales a finales de los sesenta. Éste fue el primer gran éxito para una banda de la que hemos hablado en el programa en otras ocasiones, y cuyo repertorio de su primera etapa se basaba, fundamentalmente, en versiones de canciones anglosajonas, llegando al punto de eclipsar las foráneas en territorio nacional. Pegadiza y bien arreglada, mejoró notablemente la original de Keith.

Escúchala esta noche en Déjate Inspirar.

La historia de una canción: A taste of honey (Herb Alpert, 1965)

Curiosamente, hasta la fecha no habíamos hablado en el blog de Déjate Inspirar de Herb Alpert, nacido Herbert Alpert Goldberg. Esta noche lo hacemos a propósito de su versión orquestal de “A taste of honey”, incluida en su disco “Whipped Cream & Other Delights”.

 

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Hagamos historia. “A taste of honey” fue compuesta por Ric Marlow y Bobby Scott en el año 60 para un musical de Broadway basado en la obra inglesa del mismo título. Se trataba de un tema instrumental que ganó un premio Grammy, algo que también sucedió con la versión de Herb Alpert de cuatro años después. Sin embargo, también es conocida la versión con letra, que interpretaron respectivamente, Lenny Welch, y después, los Beatles. Estos últimos en su álbum de debut de 1963 (Please Please Me).

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Por su parte, Herb Alpert grabó una de las versiones más dinámicas y conocidas de la historia con su grupo “Herb Alpert and the Tijuana Brass”. Alpert, vocalista y trompetista, tiene actualmente 79 años. Se dedica a la pintura y a la escultura, y a sus espaldas tiene veintiocho discos en las listas Billboard, ocho Grammy, catorce discos de platino, quince discos de oro, y más de 70 millones de discos vendidos en todo el mundo.

El éxito de Tijuana Brass, su banda, fue el detonante para que se formaran otras bandas de similares características, y aunque la disolvió en los años setenta, gracias a su contribución a la música popular del siglo XX, cuenta con su propia estrella de la Fama en Hollywood.